LETTERATURA SPAGNOLA: MODERNITÀ E POSTMODERNITÀ II — Letteratura spagnola III - appunti completi da frequentante per esame

1Letteratura come strumento di conoscenza del mondo

Il corso si apre con una domanda di fondo: a cosa serve la letteratura e come si distingue da un testo qualsiasi? La risposta guida tutto il percorso che segue, dalla definizione di testo letterario fino all'analisi storica della letteratura spagnola.

Che cos'è un testo letterario

Heidegger (1951/1971), ne L'essere e il tempo, descrive il testo come ciò che permette la comprensione del mondo: leggere è un modo di accedere alla realtà. Ma cosa accomuna generi diversissimi come teatro, poesia e prosa?

Non esiste un testo completamente oggettivo e reale: si può provare a convincere il lettore della propria oggettività, ma in realtà ogni testo propone una visione del mondo, che cambia da autore ad autore. Il linguaggio veicola sempre una visione del mondo, diversa da uomo a uomo, e per questo nessun testo può dirsi davvero neutro.

Ogni genere gestisce questa visione in modo diverso: la narrativa, ad esempio, ha bisogno di uno spazio ampio per raccontare, descrivere e ricostruire qualcosa con precisione. Parlare di grandi temi in uno spazio troppo ridotto, infatti, non permette di argomentare davvero.

La poesia: un linguaggio per immagini

Il linguaggio letterario procede per metafore, ma la poesia porta questo meccanismo all'estremo: crea immagini senza bisogno di spiegarle, lasciando che sia il lettore a costruire mentalmente il contesto che le circonda.

• Il poema è scritto in versi, con o senza metrica fissa.
• Nel verso libero ogni verso segue la forma metrica che preferisce, senza una struttura stabile.
• I versos blancos (versi sciolti) hanno una struttura metrica regolare ma senza rime.

L'emozione più forte che la poesia esplora è l'amore. Si tratta inoltre del genere più libero in assoluto: non produce profitto, non "vende" nulla, e l'autore la scrive non per qualcuno in particolare, ma perché vi trova un senso che va oltre la comunicazione pratica.

Esperienza estetica e intertestualità

Un altro tratto distintivo della poesia, pur non esclusivo di essa, è la ricerca dell'estetica. Questa ricerca si collega a un'esperienza più ampia, quella dell'incontro con l'opera letteraria.

Il testo, si legge negli appunti, "apre uno spazio che non è immediatamente presente alla nostra coscienza". È proprio su questa esperienza estetica che si fonda la ragione d'essere dell'opera letteraria, insieme alla nascita dell'oggetto estetico, dell'emozione e di una rivelazione umana.

Un concetto collegato è quello di intertestualità: le referenze che un testo fa ad altri testi precedenti.

Il testo letterario e l'intelligenza artificiale

Un limite strutturale del testo letterario è l'assenza di sincronia: c'è sempre un momento in cui il testo viene scritto e un momento diverso in cui viene letto. Questo scarto temporale si chiama diacronia.

L'intelligenza artificiale, al contrario, lavora cercando di creare una conversazione in tempo reale, raccogliendo dati disponibili su internet.

L'IA ha comunque usi utili: è un buon processore di dati, non di stile. Risulta efficace per riassumere testi o per generare rapidamente idee (brainstorming), ma non può sostituire la sensibilità e l'originalità dello scrittore.

La letteratura, invece, possiede qualità formative su più livelli — estetico, cognitivo, affettivo, linguistico — proprio perché illustra il senso della realtà. Può parlare di realtà vicine al lettore oppure aprire una finestra su mondi lontani e sconosciuti, ampliando così la percezione della vita.

A titolo di esempio pratico, è stato analizzato un video poetico di Lorca che mette in scena il contrasto generazionale tra una bambina e un anziano: la prima guarda al futuro, il secondo attende la morte. Il contrasto vita/morte, passato/futuro si costruisce attraverso immagini di trasformazione, a conferma che parole e immagini attivano insieme la nostra esperienza sensoriale.

2Le tre linee della letteratura spagnola: mimesis, intimismo, poiesis

Per orientarsi nella storia della letteratura spagnola, il corso propone uno schema interpretativo basato su tre grandi linee o tendenze, che si intrecciano lungo i secoli.

1. Realtà vissuta dall'autore↓→
2. tre possibili reazioni↓→
3. mimesis / intimismo / poiesis

In generale, i movimenti che denunciano qualcosa tendono ad avvicinarsi alla realtà (mimesis); quelli legati a un malessere personale, come l'amore infelice, si collocano nella linea intimista; la poiesis, invece, costruisce una visione artificiale, una realtà altra.

Percorso storico attraverso le tre linee

Lo schema delle tre linee permette di seguire l'evoluzione della letteratura spagnola tra Otto e Novecento come un filo conduttore.

1. XIX sec.

   Realismo narrativo, parallelo a Bécquer → linea della mimesis

2. Fine '800

   Rubén Darío e il Modernismo, cura formale e ritmo, elementi esotici → linea della poiesis

3. 1888-1898

   Crisi coloniale e Generazione del '98 con Antonio Machado → linea della mimesis

4. Generazione del 14

   Juan Ramón Jiménez, "poesia desnuda", cura della forma → linea della poiesis

5. Generazione del 27

   Federico García Lorca, linguaggio simbolico (Luis Cernuda vicino all'intimismo) → linea della poiesis

6. Generazione del 36

   Miguel Hernández, diviso tra poesia contemplativa (intimismo) e realtà storica (mimesis)

7. Anni 40

   José García Nieto, poesia religiosa come fuga dalla realtà → linea della poiesis; Eugenio de Nora → mimesis; rivista Cántico → intimismo

8. Anni 50

   Gabriel Celaya e la poesia sociale, contro il franchismo → mimesis; Generazione dei 50 (scuole di Barcellona, Madrid, Andalusia) → intimismo

9. Anni 60

   sperimentazione linguistica, divisa tra poiesis e intimismo

10. Anni 70

    i Novísimos, con Pere Gimferrer, sperimentano con musica, cinema, cultura di massa → poiesis

11. Anni 80

    Postnovísimos (marketing culturale) → intimismo; Poesia dell'Esperienza di Luis García Montero → mimesis

La Generazione del '98, guidata da Antonio Machado, nasce dalla crisi del 1898 — la perdita delle ultime colonie spagnole e una vera e propria crisi psicologica collettiva — e si colloca nella linea della mimesis perché racconta direttamente la realtà spagnola del momento.

Nel Novecento, dopo la Generazione del 14, si apre il periodo noto come Edad de Plata (Età dell'Argento, per distinguerla dal Siglo de Oro), che comprende la Generazione del 27 e le avanguardie.

La generazione della democrazia e la crisi della parola

Con la fine della dittatura franchista nasce la cosiddetta Generación de la democracia, che riunisce gli esponenti delle tre linee già viste (novísimos, postnovísimos, poesia dell'esperienza) insieme a nuovi movimenti:

• Poesia elegiaca — il canto della perdita e degli estremi → linea intimista
• Gamoneda (precursore dei novísimos) e poesia del silenzio → linea della poiesis
• Poesia dell'Esperienza → linea della mimesis

Il passaggio dalla modernità alla postmodernità porta con sé una riflessione cruciale sul linguaggio:

A questo problema rispondono tre movimenti, ciascuno a modo suo:

1. Poesia del silenzio — l'opera non può parlare di nulla che non sia il silenzio e se stessa.
2. Poesia elegiaca — la parola non può restituire la realtà, ma parlando delle emozioni negative riesce comunque a produrne un senso.
3. Poesia dell'Esperienza — la parola non può restituire la realtà, ma può restituire scene ed esperienze verosimili, abbastanza comuni e condivise da essere percepite come realistiche.

Tabella riassuntiva delle tre linee

3Modernità e postmodernità come paradigmi di pensiero

Da dove viene il titolo del corso? Capire quando inizia la "modernità" aiuta a chiarire il senso del termine "postmodernità".

Secondo gli storici, la storia moderna comincia nel 1492, con la scoperta dell'America, e si chiude con la Seconda guerra mondiale (fine dell'idealismo moderno).

Dal Medioevo alla Modernità

Il Medioevo viene descritto come l'età dell'oscurità, delle credenze magiche e della trasmissione orale dei testi. Il Rinascimento nasce proprio con l'intento di "ripulire" queste credenze e recuperare la purezza del mondo classico.

Il cambiamento di paradigma avviene su più fronti contemporaneamente:

• Storico: la scoperta dell'America cambia la geopolitica mondiale e l'Europa scopre di non essere più il centro del mondo.
• Letterario: l'invenzione della stampa trasforma il rapporto con il testo. Quando la trasmissione era orale, l'autore non esisteva davvero (ognuno modificava il racconto); contava solo il testo. Con la stampa, invece, l'attenzione si sposta dal contenuto all'autore.
• Del pensiero: la mescolanza medievale di verità, immaginazione e credenze (l'epoca delle streghe, della magia) viene superata da una visione più razionale.

Il mondo moderno diventa idealista: si lotta per la libertà, si aspira sempre a qualcosa di irraggiungibile, in base a una visione binaria di bene e male — dove il Medioevo rappresenta il male e la Modernità il bene.

Verso la postmodernità

Il pensiero diventa progressivamente più flessibile perché il progresso stesso è veloce e il mondo appare sempre più complesso agli occhi di chi lo vive. Tutto cambia e l'essere umano cerca costantemente di adattarsi al cambiamento.

Il cambiamento di paradigma si osserva anche in altri ambiti:

• Relazioni sociali: la democrazia insegna che dovremmo essere più tolleranti, ma la natura umana non sempre riesce a rispettare ciò che la democrazia richiederebbe.
• Letteratura: l'attenzione si sposta ulteriormente — dal contenuto, all'autore, fino al medio (il testo sui social network, che chiunque può modificare o riprodurre). Paradossalmente, un testo digitale viene oggi percepito come più "di valore" proprio perché è condiviso attraverso canali multipli.

Le grandi transizioni del pensiero globale, secondo gli appunti, non possono durare meno di mezzo secolo.

La transmodernità

Dopo la postmodernità si parla di transmodernità, dove il prefisso "trans-" indica cooperazione, unione di concetti diversi. Questa fase si costruisce recuperando alcuni valori della modernità insieme ad alcuni dei cambiamenti portati dalla postmodernità.

Nel campo letterario, il grande evento che cambia l'atteggiamento verso la scrittura è l'avanzamento delle possibilità digitali. Dal punto di vista del pensiero, il modo in cui interpretiamo il mondo resta comunque sempre in trasformazione.

4Storia di Spagna tra Ottocento e Novecento

Per comprendere i movimenti letterari appena presentati è indispensabile conoscere il contesto storico-politico spagnolo. Gli anni su cui si concentra l'attenzione in vista dell'esame sono: il '98, la Seconda Repubblica, la Guerra Civile e la dittatura di Franco.

1. 1808

   Abdicazione di Carlo IV a favore di Fernando VII; invasione napoleonica

2. 1808-1814

   Guerra d'Indipendenza contro Napoleone

3. 1810-1824

   Perdita delle colonie americane (restano Cuba, Portorico e Filippine)

4. 1812

   Indipendenza di Cadice e prima costituzione liberale

5. 1814-1833

   Ritorno di Fernando VII ("el Deseado"); Década Ominosa (1823-1833)

6. 1833-1840

   Reggenza di María Cristina di Napoli e I Guerra Carlista

7. 1840-1843

   Reggenza del generale Espartero

8. 1843-1854

   Isabel II, la "década moderada": espansione, sviluppo, dal Romanticismo al Realismo

9. 1844

   Fondazione della Guardia Civil

10. 1854-1856

    Bienio Liberal, reggenza del generale Espartero

11. 1864-1868

    Prima crisi economica moderna e sollevazione militare con espulsione di Isabel II

12. 1868

    Elezioni a suffragio universale, Cortes costituenti

13. 1870-1873

    Amadeo I di Savoia, regno segnato da crisi politica e sociale

14. 1870

    Assassinio del presidente del governo, generale Prim

5Contesto storico e caratteri del Romanticismo spagnolo

Il Romanticismo spagnolo si sviluppa nella prima metà dell'Ottocento, tra il 1810 e il 1850, in un periodo segnato da forti tensioni politiche e sociali. Dopo la Guerra d'Indipendenza contro Napoleone (1808-1814) e durante la successiva Restaurazione monarchica, si diffonde in Spagna un forte desiderio di libertà individuale e nazionale, terreno fertile per la nascita del movimento romantico.

Gli scrittori romantici spagnoli guardano con frequenza al passato nazionale, specialmente al Medioevo, ai miti e alle leggende popolari, nel tentativo di riscoprire l'anima autentica della Spagna. Allo stesso tempo esprimono la propria ribellione contro le convenzioni sociali e artistiche, celebrando la libertà, la passione e il destino tragico dell'essere umano.

• Temi centrali: l'amore, la morte, la natura selvaggia, la nostalgia, il mistero
• Autori principali: José de Espronceda (poesia ribelle e appassionata, Canción del pirata); José Zorrilla, autore del celebre dramma Don Juan Tenorio, che rivisita il mito del libertino redento

Il Tardo-Romanticismo

A partire dagli anni Cinquanta dell'Ottocento il Romanticismo spagnolo evolve verso forme più intime e personali: è la fase del Tardo-Romanticismo. L'interesse per la politica e l'eroismo nazionale lascia spazio a l'introspezione, la malinconia e il sentimento individuale, espressi con un linguaggio più semplice e musicale.

1. 1810-1850

   Romanticismo spagnolo propriamente detto

2. 1850-1870

   Tardo-Romanticismo: poesia intima e malinconica

3. dopo 1870

   Transizione verso Realismo e Modernismo

Il maggiore esponente di questa fase è Gustavo Adolfo Bécquer, con le sue Rimas y Leyendas: una poesia intima, delicata e simbolica, dominata dal sogno, dall'amore impossibile e dalla malinconia.

6Vita di Gustavo Adolfo Bécquer

Bécquer nasce a Siviglia nel 1836 in una famiglia di artisti: padre e fratello erano pittori, elemento che influenzò profondamente la sua sensibilità estetica. Rimasto orfano di entrambi i genitori ancora bambino, mostrò fin da giovanissimo una forte inclinazione per la letteratura.

1. Adolescenza a Madrid↓→
2. sogno di diventare scrittore↓→
3. vita difficile, lavoro come giornalista e traduttore↓→
4. mai abbandona la vocazione letteraria

Nel 1861 sposa Casta Esteban, ma il matrimonio fallisce e termina in separazione. Questa fase di delusioni amorose e difficoltà economiche segna profondamente la sua opera, in cui l'amore appare come un ideale irraggiungibile o fonte di sofferenza. Negli ultimi anni continua a scrivere nonostante la salute cagionevole, fino alla morte a Madrid nel 1870.

7Le opere: Rimas e Leyendas

Le Rimas sono una raccolta di poesie brevi, dal tono intimo e musicale, in cui il poeta esprime i sentimenti più profondi: amore, bellezza, sogno, solitudine, morte. Lo stile è semplice e delicato ma molto evocativo, e anticipa la poesia spagnola moderna. Furono pubblicate integralmente dopo la morte dell'autore, nel 1871, grazie agli amici che ne raccolsero i manoscritti.

Le Leyendas sono invece racconti in prosa in cui realtà e fantasia si mescolano continuamente. Ambientate spesso in un passato misterioso o leggendario, affrontano temi come l'amore impossibile, il soprannaturale e il mistero. Tra le più note: El Monte de las Ánimas, Los ojos verdes, Maese Pérez, el organista.

8La poetica di Bécquer: l'Introducción sinfónica

Prima delle Rime, Bécquer scrive un breve testo in prosa poetica intitolato Introducción sinfónica (giugno 1868), in cui espone la propria concezione della poesia e del processo creativo. L'immagine guida è il paragone con una sinfonia: come i suoni musicali nascono dal silenzio e si organizzano in armonia, così le emozioni nascono nel profondo dell'anima e si trasformano in parole.

Per Bécquer la poesia non è frutto della ragione, ma del sentimento: nasce da un'ispirazione misteriosa, una sorta di musica interiore. Il poeta non "inventa" i componimenti, ma li scopre, perché la poesia esiste già nella natura, nell'amore e nel mondo; l'artista è solo un mediatore che traduce in linguaggio umano una bellezza invisibile.

1. Emozione vaga o presentimento↓→
2. si concretizza in ritmo, parola, forma↓→
3. poesia come espressione pura del sentimento

Analisi del testo: il dramma interiore del poeta

Bécquer descrive la propria mente come uno spazio oscuro popolato dai "hijos de la fantasía" (figli della fantasia): immagini e idee ancora senza forma, che attendono che "el arte las vista de la palabra". Con questa metafora l'autore esprime la tensione tra il mondo ideale del pensiero e il limite del linguaggio umano: le idee sono perfette alla loro origine, ma nel tentativo di esprimerle si deformano e perdono purezza.

Questa contraddizione genera nel poeta un'angustia (angoscia) profonda: la mente diventa un "vivero" di idee che lottano per nascere, una "tempestad silenciosa" che lo logora. È il simbolo dell'artista romantico, diviso tra l'ispirazione divina e l'impotenza umana. Quando scrive di dover "sangrar el cerebro" per alleviare la pressione interiore, esprime il dolore fisico e spirituale della creazione: scrivere non è piacere, ma necessità di sopravvivenza.

Consapevole di non poter dare alle proprie creazioni la perfezione desiderata, Bécquer decide comunque di "vestirlas de harapos" (vestirle di stracci) pur di non lasciarle morire con lui. In questo gesto si percepisce una coscienza della propria mortalità: la morte gli si presenta come riposo, come pace del sonno dopo il tormento dell'immaginazione. Il testo acquista così anche un tono di addio.

9Rima I: la poesia come mistero inesprimibile

Nella Rima I, Bécquer esprime la propria concezione della poesia come misterio inefable. Il poeta sente dentro di sé un "himno gigante y extraño" (l'ispirazione) che annuncia la luce nella "noche del alma", simbolo dell'impulso creatore che cerca di manifestarsi.

Tuttavia riconosce l'impossibilità di comunicare pienamente quella emozione, perché il linguaggio umano è "rebelde y mezquino" (ribelle e meschino). Vorrebbe scrivere con parole che fossero "suspiros y risas, colores y notas", capaci cioè di unire tutti i sensi, ma ammette che nessuna cifra può racchiudere l'infinito del sentimento.

10Rima III: inspirazione e ragione

La Rima III riprende lo stesso nucleo concettuale dell'Introducción sinfónica, sviluppando una riflessione sul mistero dell'ispirazione poetica e sul rapporto tra razón (ragione) e imaginación (immaginazione).

1. Prima parte: inspirazione come fenomeno caotico e irrazionale↓→
2. Seconda parte: la ragione interviene e dà forma↓→
3. Conclusione: solo il genio sa unire entrambe le forze

Nei primi versi l'ispirazione è un "sacudimiento extraño" paragonato a un uragano o a un vulcano in procinto di eruttare: immagini naturali — uragano, onde, vulcano — che trasmettono la forza incontrollabile dell'impulso creativo. L'inspirazione è "murmullo que en el alma se eleva y va creciendo", fenomeno interiore e misterioso che il poeta non può dominare.

Attraverso immagini visive e sensoriali ("siluetas deformes", "colores que fundiéndose remedan los átomos del iris"), Bécquer descrive la confusione primitiva del pensiero: esistono "ideas sin palabras" e "palabras sin sentido". La mente è invasa da emozioni contraddittorie — "accesos de alegría, impulsos de llorar" — in una "locura" o "embriaguez divina": è il momento puro dell'ispirazione.

A partire dal verso "¡Tal es la inspiración!", il tono cambia e si introduce la seconda parte, dedicata alla razón, che non si oppone all'ispirazione ma la ordina e la incanala. La ragione è personificata come "la voz que el caos ordena", "la brillante rienda de oro" che doma il "caballo volador" del pensiero esaltato — metafore che mostrano come la ragione trasformi il disordine dell'ispirazione in arte vera e propria.

Il poema si chiude con un'affermazione decisiva: "Con ambas siempre lucha, y de ambas vencedor, tan sólo el genio puede a un yugo atar las dos". Per Bécquer, solo il genio riesce a unire ispirazione e ragione, la follia divina e l'ordine cosciente: questa è la vera creazione poetica.

11Rima XXI: la poesia come amore

La Rima XXI appartiene al gruppo delle rime d'amore, ma qui l'amore non è mai vissuto come emozione reale, bensì solo come concetto o ricordo. Il poema si costruisce come un breve dialogo: alla domanda "¿Qué es poesía?" la voce poetica risponde con un'affermazione diretta ed emotiva: "Poesía… eres tú".

12Rima IV: la poesia esiste anche senza il poeta

Nelle prime due strofe della Rima IV, Bécquer afferma che la poesia non dipende dalla presenza del poeta: esiste sempre, anche se nessuno la scrive. Segue un elenco di luoghi e situazioni in cui la poesia abita autonomamente nel mondo:

• nella natura, che possiede già in sé poesia, essenza, funzionamento, paesaggi carichi di emozione
• nelle stagioni dell'anno, specialmente la primavera, quando tutto rinasce (i fiori sbocciano, gli animali si accoppiano)
• nella scienza, che cerca di svelare i misteri ignoti
• negli errori dell'uomo e della scienza: anche se l'umanità non sa dove sta andando, il suo idealismo stesso è poesia
• in ogni emozione, sentimento, speranza e ricordo

L'essere umano, osserva Bécquer, vive un conflitto costante tra sentimento e ragione, ma l'emozione prevale sempre sulla ragione. Alla fine ciò che conta davvero è la donna e l'amore: ci sarà sempre poesia finché ci sarà amore.

13Rima XI: le tre donne e l'ideale irraggiungibile

Nella Rima XI nessuno muore fisicamente, ma la terza donna muore in senso metaforico: non esiste realmente, non è una donna ma la poesia stessa. L'unica donna che il poeta desidera è quella che immagina nei versi, cioè la poesia medesima — un amore confuso che in realtà non è amore ma creazione poetica.

Le prime due donne rappresentano due tòpoi letterari consolidati:

Il poeta rifiuta entrambe le prime due in favore della terza, un "imposible" che non può esistere nella realtà. Questa scelta rivela la condanna romantica di Bécquer: desiderare l'impossibile, amare l'inarrivabile, in perenne tensione tra desiderio e frustrazione.

14Rima XXIX: il bacio e la poesia condensata

La Rima XXIX presenta due interlocutori, un uomo e una donna, in una scena ispirata esplicitamente all'episodio di Paolo e Francesca nel Canto V dell'Inferno della Divina Commedia di Dante Alighieri.

Nella rima becqueriana i due protagonisti leggono insieme l'Inferno di Dante, ma nessuno dei due presta realmente attenzione alle parole: a dominare la scena è il silenzio, la tensione emotiva e la presenza reciproca, fino al momento in cui gli sguardi si incontrano e culminano in un bacio. La pasión si vuelve poesía a través del silencio y la mirada, senza bisogno di esagerazioni retoriche.

La seconda parte del componimento introduce una dimensione riflessiva: il poeta chiede tremante "¿Comprendes ya que un poema cabe en un verso?", e lei risponde "¡Ya lo comprendo!". Con questo dialogo finale Bécquer riassume il proprio ideale artistico: la vera poesia non dipende dall'estensione o dalla retorica, ma dalla capacità di condensare un'emozione infinita in un istante unico.

15Le Rime di Bécquer: dall'amore al dolore esistenziale

Le ultime rime analizzate mostrano l'evoluzione della poetica becqueriana, che si muove dall'esaltazione dell'amore come esperienza sacra fino alla disperazione più cupa di fronte alla morte e all'oblio. Attraverso immagini naturali e un linguaggio apparentemente semplice, Bécquer costruisce un percorso emotivo che va dalla bellezza malinconica all'angoscia pura.

Rima XXIX: la sintesi della poetica becqueriana

La Rima XXIX riassume in modo esemplare la visione poetica di Bécquer: l'unione tra emozione, bellezza e mistero. Attraverso una scena intima tra due amanti, il poeta dimostra che la vera poesia non risiede nelle parole in sé, ma nei momenti in cui l'anima vibra con intensità.

Rima LIII: l'amore che non torna

La Rima LIII esprime con grande delicatezza l'impossibilità di rivivere un amore perduto. Il componimento si articola in tre strofe parallele che mettono a confronto i cicli eterni della natura con l'irripetibilità dell'esperienza amorosa.

Attraverso l'anafora "Volverán...", il poeta contrappone ciò che torna sempre — le rondini, i caprifogli, le parole d'amore — a ciò che è perduto per sempre: il sentimento unico che univa i due amanti.

• Le rondini e i caprifogli simboleggiano la continuità del mondo naturale e la ripetizione dei cicli vitali.
• L'amore umano, al contrario, appare fragile, irripetibile, condannato a vivere solo nel ricordo.
• Il contrasto tra permanenza della natura e fugacità del sentimento intensifica il tono nostalgico del testo.

Nell'ultima strofa il poeta raggiunge il punto più toccante: anche se altri amori potranno arrivare, nessuno sarà uguale a quello vissuto. La similitudine religiosa "como se adora a Dios ante su altar" eleva l'amore a esperienza quasi sacra.

Rima LII: la tempesta del dolore

Si entra ora nel quarto momento tematico delle Rimas: quello del dolore e dell'angoscia. La Rima LII è considerata la più propriamente romantica (e meno tardo-romantica) di Bécquer, perché riprende un tipico topos del Romanticismo: la tempesta.

Il paesaggio sonoro peggiora progressivamente man mano che le emozioni negative si intensificano: dapprima un uracán che si condensa con il vento, poi fulmini, poi nebbia oscura e tempesta vera e propria.

Tutto questo porta il poeta ad affermare il desiderio di morte: chiede che quel vortice di eventi atmosferici gli strappi dalla mente il ricordo. Sta chiedendo l'oblio, vuole dimenticare la sofferenza d'amore e trovare nell'oblio il riposo.

Rima LXVI: il cammino verso l'oblio

La rima si costruisce attorno a due domande speculari: "¿De dónde vengo?" e "¿Adónde voy?". Attraverso questa forma interrogativa, Bécquer costruisce una riflessione sulla vita e sulla morte segnata dalla disperazione più totale.

1. Origine: "pies ensangrentados" e "alma hecha jirones"↓→
2. vita di dolore e sofferenza amorosa↓→
3. Cammino: immagine del sentiero aspro e pietroso↓→
4. il destino come travesía difficile↓→
5. Destino finale: "valle de eternas nieves y de eternas melancólicas brumas"↓→
6. solitudine e morte↓→
7. Epilogo: tomba anonima, "piedra solitaria sin inscripción alguna"↓→
8. timore dell'oblio totale

Il tono è cupo e rassegnato; il linguaggio, pieno di simboli naturali (la roccia, i rovi, la neve, la nebbia), esprime l'isolamento dell'anima romantica. Bécquer trasforma la propria sofferenza in materia poetica, mostrando la coscienza tragica dell'io e la ricerca di senso di fronte alla morte.

16La crisi di fine Ottocento

Alla fine del XIX secolo l'Europa attraversa una fase di profondo cambiamento: progressi scientifici e trasformazioni sociali mettono in discussione valori e principi fino ad allora saldi. In Spagna questa crisi generale si intreccia con un evento specifico: la perdita delle ultime colonie nel 1898.

La crisi parte dal paese più industrializzato dell'epoca, l'Inghilterra, e coinvolge anche illustri rappresentanti del Realismo come Tolstoj e Dostoevskij. Alla base vi è una borghesia divenuta conservatrice, che non garantisce più alcun progresso perché pensa solo a difendere i propri privilegi.

I tratti della crisi

• Disincanto verso i risultati dell'industrializzazione e ribellione contro la struttura sociale: protagonisti non sono solo i gruppi sociali svantaggiati, ma anche la piccola borghesia.
• La scienza smette di essere vista come forza liberatrice e diventa una minaccia pericolosa che schiavizza e strumentalizza l'uomo.
• Perdita delle speranze: il presente è percepito come negativo e difficile da cambiare.
• Ritorno verso l'anima, dimensione che il Realismo aveva trascurato.
• I comportamenti estremi, estranei o contrari alle regole sociali, vengono visti come forme di ribellione e di allontanamento dalla realtà.

La svolta filosofica: irrazionalismo

Dal punto di vista intellettuale si passa all'irrazionalismo di Schopenhauer, secondo cui la reazione dell'individuo non dipende da leggi razionali ma dalla volontà: ciascuno decide, di fronte ai fatti, se reagire o sottomettersi. Accettare passivamente ciò che la vita presenta equivale all'autodistruzione.

1. Schopenhauer

   la volontà, non la ragione, governa la reazione dell'individuo

2. Kierkegaard

   l'angoscia è intrinseca all'essere umano: si può accettarla reagendo o lamentarsene fino all'autodistruzione

3. Nietzsche

   la volontà non è sempre razionale; prepara il terreno alle tesi di Freud sull'inconscio

Il pensiero di Schopenhauer, Kierkegaard e Nietzsche riporta in auge le preoccupazioni e le angosce tipicamente romantiche che il Positivismo aveva cercato di soffocare. Tutto ciò si trasferisce nell'arte, che diventa una forma per allontanarsi dalla realtà: nasce così, a fine secolo, il Modernismo come movimento che raccoglie anche influssi del Parnassianesimo e del Decadentismo.

17Simbolismo, Decadentismo e Modernismo

Questi tre movimenti condividono la stessa matrice di crisi e lo stesso desiderio di superare i limiti del linguaggio realista, pur sviluppandosi in contesti nazionali diversi.

Il Simbolismo

Nasce in Francia negli ultimi vent'anni dell'Ottocento; i poeti francesi, precursori del movimento, scrivono sotto l'influsso del Romanticismo tedesco e anglosassone. La prima definizione è di Baudelaire: il poeta deve interpretare la realtà attraverso i simboli, avendo la capacità di raggiungere un livello superiore di conoscenza e di restituirlo tramite un linguaggio altrettanto elevato.

Il Simbolismo è la corrente che più ha influenzato la generazione letteraria di fine secolo.

Il Decadentismo

Si sviluppa in Italia nello stesso contesto culturale. Il Decadentismo smette di considerare negativa la decadenza della società, perché i suoi esponenti sono essi stessi contrari a quella società. Esaltano l'irrazionale, il perverso, i piaceri proibiti, la trasgressione, l'autodistruzione, con un culto della bellezza che arriva a forme barocche ed esagerate.

• Esponenti principali: D'Annunzio e Pascoli.
• Si intreccia con Impressionismo (alterazione della realtà, percepita come insoddisfacente) ed Espressionismo (ulteriore alterazione, nella direzione della deformazione).

Il Modernismo

Il termine proviene dall'Ispanoamerica ed è legato ad autori ispanoamericani. Il Modernismo è un movimento culturale, una forma di concepire la vita, che esprime una nuova sensibilità nata dall'occultamento delle emozioni private, dall'insoddisfazione, dall'attrazione per la mitologia e dalla bellezza vista come bene supremo contro il male e la mediocrità del mondo.